Performance realizada por las autoras del blog el día 19 de Noviembre, para la asignatura de Expresión Plástica en Educación Infantil.
sábado, 12 de diciembre de 2015
CONCEPTO
El concepto de performance es un nombre femenino de origen inglés que proviene del verbo “To perform” que significa realizar-ejecutar.
Espectáculo de carácter vanguardista en el que se combinan elementos de artes y campos diversos, como la música, la danza, el teatro y las artes plásticas. Es una muestra escénica, una representacion o hecho, en el que es el propio cuerpo del sujeto el objeto de representación.
Hoy día a muchas personas les cuesta entender o identificar una Performance, pero debemos saber que esta es una realización, acción, representación o hecho en el que aparecen varios aspectos esenciales como puede ser que se lleva a cabo en un periodo de tiempo variable, es decir, se representa en cinco minutos, tres horas, en meses o incluso en años… Otro aspecto es el escenario, el artista lo selecciona según sus gustos en un contexto social y por otro lado una performance tiene una intención, de la cual cada persona hará una interpretación propia de ella según sean sus conocimientos sobre el arte.
Características:
- Provocación del asombro del público
- La exaltación de la estética
- El cuerpo del artista actúa como medio de representación
- Acción de un individuo o grupo
- Lugar determinado
- Tiempo concreto
- En vivo y directo
- Con alguna intención
LOS ORÍGENES DE LA PERFORMANCE (I)
La performance tiene sus orígenes en el futurismo(1908) con Marinetti y dadaísmo(1916) Este primero surge en el siglo XX de la mano de Marinetti, poeta simbolista cuya intención se fundamenta en romper con el pasado reivindicando el futuro. Es sus manifiestos futuristas podemos encontrar una rebeldía con la sociedad y su intento por romper los modelos del arte plástico. La segunda se compone por los artistas del movimiento Dadá que se fundamentan en la oposición contra las convenciones literarias y artísticas, crítica al artista burgués y a su arte. En el año 1916 fue fundado el Cabaret Voltaire en Suiza por Hugo Ball en el que se dieron veladas poéticas, exposiciones y actos culturales provocadores. Fue en el Cabaret Voltaire donde los artistas del dada anticiparon las expresiones conceptuales del Performance.
Performance Marinetti
Cabaret Voltaire Performance
LOS ORÍGENES DE LA PERFORMANCE (II). La Performance en los años 60
El término Performance aparece en los años 60 en Estados Unidos se denominaba “actuación conceptual” que no tenía ningún parecido con el teatro. La finalidad de describir eventos artísticos en vivo que incluye a poetas, músicos, cineastas… Nace como una protesta ante los modelos artísticos establecidos en ese momento.
Las performances permitieron al público encontrar una nueva manera de percibir el arte mediante la acción y la experiencia personal.
Esther Ferrer (1937) es un artista especializada en la Performance Art, considerada como una de las mejores en España y por ello una de las precursoras del Performance. Junto a Juan Hidalgo y Ramón Barce y Walter Marchetti fundaron el “Zaj”.
Joseph Beuys 1974 “América me gusta, y a América le gusto yo"
Esta es una de las performance más conocidas de Joseph Beuys. La finalidad es hacer una crítica al sufrimiento que han sentido los nativos americanos por parte del hombre blanco. Para la realización de esta, Joseph Beuys viajó hacia el aeropuerto de Nueva York, una vez allí envuelve su cuerpo con una manta de fieltro y se sube a una camilla para posteriormente ser trasladado en ambulancia a la sala donde va a realizar la performance. Esta obra consiste en convivir durante siete días con un coyote donde aparecen varios rituales diarios que el mismo tienen con el coyote como por ejemplo; conversaciones, juegos o incluso peleas entre ambos.
En el siguiente enlace podéis ver esta performance completa:
Marina Abramovic 1988 “La muerte misma”
Esta obra de Marina Abramovic se llama “La muerte misma” fue realizada en 1988. Para llevarla a cabo contó con la ayuda de Ulay quien fue su pareja en esos momentos y el que comparte con ella algunas de sus performances.
Esta obra consiste en la unión de las bocas de ambos y respirar mediante ellas, es decir, respirar el aire que suelta el otro. En consecuencia a esto, la obra duró 17 minutos puesto que ambos se desmayaron al respirar el dióxido de carbono que desprendía el otro.
En el siguiente enlace podéis ver la performance completa:
HAPPENING
Happening es una manifestación artística cuyos componentes son la provocación, la participación y la improvisación. Traducido al español se denomina acontecimiento, ocurrencia o suceso.
Esta manifestación surgió en la década de los cincuenta relacionándose con el pop art el movimiento hippie, sin embargo, se encuentra recogido bajo el concepto de performance. El happening se diferencia de la performance con respecto a que es un acto improvisado en el cual participa la gente y en cambio, en la performance todo está organizado y no interviene el público.
Este nuevo concepto de arte surgió de la mano de Allan Kaprow, presentando el primer happening. Recreó una ambientación con muebles, luces, sonidos y olores en la que el público formaba también parte de la obra. Se empezaron a utilizar este concepto como un instrumento de crítica social, de rebelión sexual y de protesta política,
Las características de este concepto de arte son:
- La participación de los espectadores para que expresen sus emociones de forma individual y colectiva.
- La repartición de guiones al público que participa interviniendo de forma libre en sus acciones.
- Rompe con las características del teatro tradicional cuya postura era estática.
Aquí os dejamos un video para que entendáis mejor el Happening.
DIFERENCIA ENTRE HAPPENING Y PERFORMANCE
Los happening forman parte del conjunto de Performance. Pero existen diferencias entre ellos, como por ejemplo que los happening tienen como finalidad realizar una obra en la que participen los espectadores de forma activa en sus representaciones, tienen un carácter más improvisado aunque se parte de un guión inicial. Las características esenciales de este tipo de representación son que surge de manera espontánea con tiempo variable que conllevan a finales irrepetibles. A diferencia de las performance, es una acción llevada a cabo por una sola persona o grupo cuya finalidad es la búsqueda del asombro del espectador y resaltar la estética.
EL ZAJ "EL ARTE COMO REBELDÍA"
“Un grito sonoro en plena dictadura”
Es el movimiento artístico más radical de la historia del arte español creado por el italiano Walter Marchetti, el canario Juan Hidalgo y el madrileño Ramón Barce, que presuntamente eran tres músicos.
Sucedió concretamente el 19 de noviembre de 1964 entre las 9.33 y las 10.58. Los tres artistas salieron de la vivienda de Marchetti e Hidalgo en Madrid trasladando tres estructuras de madera. El traslado terminó en el colegio Mayor Menéndez Pelayo.
De aquella marcha nació Zaj, un movimiento artístico español con conexiones internacionales con grupos, entre el neodadaísmo y el happening, como Fluxus o Gutai
Este movimiento tiene un nombre absurdo ya que era lo que les convenía, y también está directamente relacionado con España ya que los sonidos de las letras son muy característicos españoles; la Z, que en muchos idiomas no la tienen; la J, que a veces tampoco; y la A, que es la vocal más abundante en español.
El ZAJ tiene como punto de sus acciones a la música pero en realidad englobaba a todo: pintura, poesía, fotografía, teatro, performance…, pero exactamente no era nada. Los fundadores de dicho movimiento artístico no eran estrictamente artista, ya que ellos mismos se definían como “gente que inventaba razones para que el arte fuera algo más de lo que se entiende por arte”
El objetivo principal del ZAJ era despertar al público hacia nuevas realidades y demostrar que la música no sólo era un asunto auditivo, sino que podía ser visual. Tenía un aspecto provocador clarísimo y eso a veces no se entendía bien. A parte de que era un acción de protesta política
HISTORIA DEL ZAJ
Fue entre 1964 y 1973 la época de mayor actividad del grupo. Su máxima expresión tuvo lugar en expresión los Encuentros de Pamplona de 1972, festival internacional de arte experimental (26 junio-3 julio). Estos encuentros fueron patrocinados por la familia Huarte y constituyeron el punto de inflexión en el devenir artístico nacional en los últimos años del franquismo.
Tenían un ayudante en la otra punta de la costa, el compositor y activista norteamericano John Cage. Él les ayudó a plasmar el ZAJ en EEUU a través de una gira.
Varios años después de la creación de ZAJ , Barce abandonó y se sumó a este movimiento artístico la artista Esther Ferrer.
Este movimiento continuó con la llegada de la democracia hasta que en 1996, el Museo Reina Sofía reconoció la labor del colectivo con una retrospectiva que acabó con la separación del grupo. Durante la inauguración, Hidalgo, respondió, preguntado por un periodista, que el grupo había muerto en ese preciso instante. Solo Esther Ferrer continuo con su carrera en solitario.
EL ZAJ: Esther Ferrer
“La performance no se enseña, se practica”
Esther Ferrer
«Un minimalismo muy particular basando en el rigor del absurdo».
Así definió su trabajo artístico Esther Ferrer (San Sebastián, 1937)
«Esther Ferrer ha sido siempre una defensora del arte como único espacio de libertad»,
Esther Ferrer Ruiz (San Sebastián, 1937) es una artista interdisciplinar vasca, aunque centrada en el performance art y pionera en esto en los años 60 en España . Considerada como una de las mejores artistas españolas de su generación. Galardonada con el Premio Velázquez (2014) y Premio Nacional de las artes (2009).
En 1966, Esther se unió al grupo de performance Zaj, creado por la propia Ferrer junto a los españoles Juan Hidalgo y Ramón Barce y el italiano Walter Marchetti. Cuando se le pregunta por qué es ZAJ, Esther Ferrer responde `ZAJ es una posibilidad llevada a la práctica´, `un querer´, `un punto de mira´". Trabajó con dicho grupo entre 1667 y 1996,fecha de la disolución de este grupo. Desde ese momento Ferrer ha practicado la performance individualmente
La producción de Esther Ferrer incluye objetos, fotografías y sistemas basados en series de números primos. Sylvie Ferré ha dicho de ella que:
"El trabajo de Esther Ferrer se caracteriza por un minimalismo muy particular que integra rigor, humor, diversión y absurdo".
A Ferrer a diferencia de la mayoría de artistas solo le interesa del arte el hacerlo, ni el resultado ni el espectador. Hace arte para ella misma, esa es su forma de vivir. A muchas personas su trabajo puede parecerle absurdo. Ella intenta “añadir más absurdo al absurdo por ver si consigo comprender algo. En realidad a veces pienso que si me he dedicado al arte ha sido para intentar comprender el mundo o los mundos que vivimos”. Por otra parte sus performances suelen ser provocativas y escandalizar pero ella manifiesta que ese no es su objetivo. Su objetivo ha sido meramente artístico y se ha basado siempre en intentar expresar lo máximo con lo menos posible
Para esta artista una performance es el arte del tiempo, del espacio y de la presencia. Quizá, especialmente, del tiempo. En sus obras puede verse continuas referencias como relojes, contadores, gente que pregunta la hora, etc. De esta manera intenta hacer ver a las personas el carácter efímero e irrepetible del tiempo. También en sus innumerables fotografías y dobles retratos puede verse la huella del tiempo en los cuerpos o, en definitiva, en la vida.
Esther Ferrer, "Dar tiempo al tiempo", 2006.
Infraction 06, Festival International d'Art Performances, Sète, France
Aquí os dejamos un vídeo de esta autora explicando la intencionalidad de sus obras:
FLUXUS, el heredero del Dadaísmo
Dentro de los géneros o ramificaciones del Performance, nos encontramos el movimiento Dada y Fluxus.
El fluxus es lo que en el mundo de las performances se denomina una modalidad de arte objetual y de acción. Son actuaciones de duración corta, simples, en las que es muy importante la improvisación del artista y hay un distanciamiento del espectador.
Destacan principalmente la música y la danza, dejando en un segundo plano las artes plásticas, la literatura y la poesía. Son actos que van en contra de la burguesía actual y de la estética actual de la sociedad. Los pertenecientes a esta forma de arte la entienden como un modo de vida; una condición del espíritu impregnado de una admirable libertad de expresión, pensamiento y elección. Se ven muy influenciados por el movimiento Dada o dadaísmo el cual fomenta el valor de los objetos encontrados o ready-made.
Los artistas pertenecientes a este movimiento buscan transformar la sociedad rechazando las vertientes “serias” del arte y encareciendo el arte popular.
A pesar de su origen norteamericano,el Fluxus, en los años 60 tuvo gran influencia en Europa, como podemos ver en el Festival Mondial Fluxus Art Total de Niza; el cual se inspiró en concierto que inspiró este movimiento, el cual estaba dirigido por George Maciunas. A este festival le siguieron muchos otros por el resto de Europa (Copenhague, París, Dusseldorf …)
“Fluxus no es un momento en la historia, o un movimiento artístico. Fluxus es una manera de hacer las cosas, una tradición, un modo de vida, y de muerte” Para Dick como George, Fluxus es más importante como idea y herramienta.
http://fluxusmagazine.com/ Revista digital de diseño, arte, moda y música.
¡EL FLUXUS NOS RODEA!
Por lo visto, el Fluxus no es un movimiento dirigido exclusivamente a Conciertos y Festivales como pensábamos, cada vez lo podemos encontrar en cosas más cercanas a nosotros, como por ejemplo en ...
Cine
Encontramos un cortometraje titulado “Fluxus de Cristiane Grando”, cuyo guión y dirección son del artísta Jiddu Saldanha. Este trabajo forma parte del proyecto “Cinema Possível”.
A pesar de su corta duración, “Fluxus de Cristiane Grando” fue considerado uno de los mejores cortos exhibidos en el “Cinetribal de Cabo Frio” en el 2007.
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"Fluxus": poesía de Cristiane Grando con ilustraciones de Leo Lobos.
Portada: foto de Cristiane Grando
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Moda
Aprovechando el tirón artístico de las Performances relacionadas con el Fluxus, hace unos años nació una marca de ropa llamada “Fluxus”. Es considerada una de las mejores, hablando de vestuario deportivo y artístico. Trabaja con deportistas y artistas desde hace más de diez años.
Además de ropa deportiva y artística, la firma también ofrece prendas de verano como bikinis innovadores y juveniles y prendas ecológicas. http://www.fluxus.com.ar/
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http://www.fluxus.com.ar/
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Camisetas Fluxus. Este movimiento artístico se ha incluido firmemente en la moda de las camisetas hoy en día, tanto que la mayoría de famosos las utilizan frecuentemente.
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http://www.taringa.net/posts/imagenes/15279001/Fashion-Icon---Kristen-Stewart.html
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Música
Fluxus Music es una compañía musical fundada en 2002 en corea del sur. Ha sido una gran influencia para la música pop coreana. Son pioneros por experimentar con distintos géneros.
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CLAZZIQUAI PROJECT
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HANDSOME PEOPLE
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DOS GRANDES DEL FLUXUS
Ben Vautier fue un gran representante europeo de este movimiento.
Ben Vautier interpretando a George Maciunas (Flux Festival at Fluxhall, New York, 1964; foto: G. Maciunas)
Yoko Ono
“Nací en Japón el 18 de febrero de 1933 en el seno de una familia acomodada, tras trasladarme a Nueva York en mi juventud, me adentré de inmediato en los círculos de vanguardia, especialmente en el grupo Fluxus, que aspiraban a romper las fronteras del arte, utilizando sonidos cotidianos y ampliando el campo perceptivo de los espectadores” (Yoko Ono).
Aquí os dejo una performance de Yoko Ono para que os hagáis una idea de su trabajo:
BODY ART
El body art es un género artístico, el cual combina la expresión corporal con otras formas artísticas tales como la música, el teatro, el baile o la escultura.
Este término nació entre finales de los sesenta y principios de los setenta en Estados Unidos, de la mano de artistas como Vito Acconci, Chris Burden, Bruce Nauman o Nennis Oppenheim. Algunas corrientes artísticas tales como el happening o la performance, son precursores de género artístico.
El body art trabaja el espacio y tiempo real con el cuerpo junto con el teatro y el baile, expresando preocupaciones y reflexiones sobre el arte. Los primeros trabajos fueron rechazados por tratar temas como la violencia, la sexualidad, el exhibicionismo…
Podemos observar dos tipos de body art según la situación geográfica. El body art de Estados Unidos pone más atención en las posibilidades del cuerpo, mientras que el de Europa, es más dramática haciendo alusión al tatuaje, piercings… Este tipo se ve reforzado hoy en día usándolos como signos de identidad.
Algunas características del body art en Europa son:
- El body art se centra en el dolor para meterse en la temática que quiere representar.
- Se práctica el ejercicio de automutilaciones, con el fin de enseñar que la anatomía puede ser modificada de forma voluntaria.
- El ser humano es un artista que actúa sobre su propia anatomía, moldea su cuerpo a su gusto a modo de protesta contra las convenciones sociales.
MARINA ABRAMOVIC
Artista serbia del performance nacida en 1946, hija de guerrilleros yugoslavos.Empezó su carrera a comienzos de los años 70 y continúa creando después de tres décadas. Sus primeras performances fueron una forma de rebelarse contra su estricta educación y la cultura represiva del gobierno de posguerra. Como todo su trabajo, eran purificaciones rituales encaminadas a liberarla de su pasado. Abramovic se ha definido recientemente como la "Abuela del arte de la performance", debido a que de aquella generación de artistas de los 70 quienes eligieron la performance como modo de expresión, Abramovic es quizás la más activa actualmente.
El trabajo de Abramovic investiga y explora la relación entre el artista y la audiencia, los límites del cuerpo y las posibilidades de la mente.En sus performance ha jugado con su vida literalmente ya que ha congelado su cuerpo con bloques de hielo, tomado drogas para controlar sus músculos, con las cuales ha quedado a veces inconsciente, y hasta en una ocasión casi morir de asfixia recostada dentro de una cortina de oxígeno y llamas. Algunas de sus performance han sido totalmente desconcertantes y han llegado a un límite casi extremo, puesto que solo concluían cuando algún espectador intervenía.
“Ha habido un cambio radical: cuando empecé me querían encerrar en un manicomio porque creían que estaba loca, y hoy me alaban”
El objetivo de esta artista ha sido identificar y definir los límites en el control del cuerpo, la relación entre el público con la performance ; del arte y, por extensión, de los códigos que gobiernan la sociedad; a través de experimentos. Su ambicioso y profundo proyecto se encamina a descubrir un método, a través del arte, que haga a la gente más libre.
MARINA ABRAMOVIC: Ritmo 0 (1973)
Esta es su primera performance en la cual exploró elementos de rituales y gestos, por ello se dice que es una de las más ilustrativas. En ella utiliza 20 cuchillos y una cámara de video. La artista realizaba un juego ruso el cual consistía en puntearse entre los dedos abiertos de su mano siguiendo un ritmo continuo. Esta acción era ejecutada a gran velocidad lo que hacía que en ocasiones se hiciera daño. Cada vez la artista se cortaba, tomaba un nuevo cuchillo y continuaba con la acción. Todo esto era grabado por una cámara de video.
Tras cortarse veinte veces (con todos los cuchillos que anteriormente había colocado delante suya), paraba la grabación y la reproducía de nuevo. Cuando visualizaba dicha grabación intentaba repetir emitiendo los mismos movimientos y errores realizados anteriormente, con esto unía el pasado y el presente.
(minuto 1.14)
MARINA ABRAMOVIC : Rhythm 0 (1974)
Es considerada como la primera performance explosiva de la artista. Es un estudio sociológico en el cual analiza las acciones de los asistentes, puesto que en ella Abramovic pone a disposición de los asistentes 72 instrumentos de funcionalidades diversas (desde un lápiz, polaroid ,flores,una boa de plumas,,un perfume hasta un cuchillo,un hacha o una pistola cargada). El público es invitado a elegir un instrumento y a utilizarlo con la artista de la forma que ellos/as quisieran.Frente a esto la artista asegura que no se moverá durante seis horas, pasara lo que pasara.
“"Lo que aprendí fue que, si dejas que el público decida, te pueden matar. Me sentí verdaderamente atacada: me cortaron la ropa, me clavaron las espinas de las rosas en el estómago, una persona me apuntó a la cabeza con la pistola y otra se la quitó". La falta de reacción de la artista hizo que la violencia escalara de manera geométrica."Después de exactamente seis horas, según el plan, me levanté y empecé a caminar hacia el público. Todos escaparon, evitando un enfrentamiento real".”
(Peirano,2014)
MARINA ABRAMOVIC: Ritmo 5 (1974)
Con esta performance, la artista intentó reevocar la energía del dolor corporal extremo usando una gran estrella mojada en petróleo. Esta estrella era encendida al principio de la actuación. Dicha performance comenzaba con Abramovic situada fuera de la estrella cortandose las uñas tanto de los manos como la de los pies, y también cortandose el cabello. Cuando termina con esto, la artista lanza los recortes a las llamas haciendo con esto que las llamas se inflaman.
A continuación, Abramovic salta al centro de la estrella. Debido a la luz y el humo del fuego, esto no es percibido por el público. Tras un largo tiempo en el centro de la estrella de fuego el aire comienza a reducirse. Durante esta actuación la artista llegó al punto de perder el conocimiento , los asistentes no se dieron cuenta de esto. Fue solo cuando el fuego se acercó demasiado al cuerpo que permanecía estático se alarmaron.
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